如何在音乐中听到幸福
到底如何在音乐中听到幸福呢？我以为这与人们对音乐的感受能力有关。音乐的感受能力，首先需要具备一些乐感，比如说，你得能够分辨音高，能够感受节奏和韵律，能够感受音乐中美妙的音色，最好还能够分辨出很多个声部的旋律、和声，甚至能够听出音乐的结构。拥有这些音乐欣赏的基础能力，才能够感受经典音乐带来的美妙与幸福感。所以下面我就给大家讲讲这些音乐的小知识。
旋律里的情感
首先我们来看什么是旋律。
旋律是由音高和节奏组成的，它是音乐的灵魂。我们觉得一段音乐好听，最初往往是因为它的旋律特别美，容易记忆和流传。如果你听到一部新的乐曲，在你离开音乐厅的时候，已经能够哼唱它的主旋律，那么这部乐曲多少已经算成功了。而旋律又是非常神秘的，它能够激发我们丰富的、激烈的情感，却是不可捉摸的、难以言说的。也许因此能够写出优美旋律的作曲家，往往被人们称为天才。像舒伯特、莫扎特这样的天才，是音乐学院教不出来的。
那么旋律是如何构成的呢？旋律里面包括急进和跳进。所谓的急进，是指旋律按照相邻的音进行，比如说像do re、re mi、mi fa so、fa so la，就叫作急进。和急进相对的是跳进，是指旋律在比较大的音层间进行，比如说do mi、do fa、do so、do la，急进之外的都称为跳进。
一般来说，在旋律的写作中以急进为主，穿插跳进，因为如果从头到尾都是急进的话，旋律就比较乏味没有特点；从头到尾都是跳进，没有急进的话，旋律听起来就会有点生硬。所以一般来说是以急进为主，穿插跳进，这样旋律才能够流畅而且生动。
那么这些原则到底是以什么为依据的呢？其实，它们符合古典时代的均衡秩序原则。比如，在跳进之后，一般来说旋律会接一个反向的急进，由此让旋律产生平衡感。比如，do la so，在do la这样的向上跳进之后，又有la so这样一个反向的向下急进。
那么我们如何感知一段旋律里面的情感呢？也就是说，如何才能听懂一段旋律？音乐既然是一种情感的表达，所以它的展开一般符合人们心理变化的一种定式。
比如说快板的节奏，就是音符比较密集、音调不断往上行的音乐，听起来自然比较欢快，所以莫扎特的音乐给大家的整体印象是比较纯真欢快的，比如他的《土耳其进行曲》。
那么反过来，节奏缓慢的、逐渐往下行走的音调，听起来自然就比较哀伤。柴可夫斯基就喜欢这样写，于是他的音乐给人的总体印象是满面愁容的形象。我个人觉得有一个特别典型的例子，就是我国的民歌《小白菜》。第一句“小白菜”在一个高度，接下来“地里黄”往下一级，然后是“三两岁”和再下来的“没了娘呀”，一点一点地下行，每一句都在很匀称地往下走。
这些民间音乐的创作者哪里懂得作曲规则呢？它其实是在人们的劳动生活中被不断传唱而逐渐形成并流传下来的，有天然的情感体验在里面。
此外，还有一些旋律悠长宽广、节奏舒展、曲调上下此起彼伏的音乐，多半是情感饱满的抒情曲。比如我们前文讲到的《沃尔塔瓦河》，还有《一条大河波浪宽》，这些歌曲往往就有这些特点。还有一些是节奏和音点重复的音乐，像《命运交响曲》，有很多重复的三连音，听起来就非常坚强有力。重复在音乐中体现了积蓄力量的作用。
节奏的作用
讲完了旋律之后，我们再来看看：节奏是什么？
节奏，是一种有一定速度的节拍，主要是运用速度上的快慢和音调上的强弱把音符组合在一起，比如说像四分之二拍，强弱规律是“强-弱”；还有四分之四拍，“强-弱-次强-弱”，都有一种强弱交替的节拍韵律在里面。在舞曲中节拍韵律的感觉尤其强烈，像舞曲的强弱规律是“强-弱-弱”。
如果说旋律是灵魂，那么节拍和节奏就是音乐的骨架。它的强弱交替体现了从紧张到放松的过程，就像自然界的四季轮回、日夜交替、日升月落，以及我们的呼吸一样有一种循环，所以说它在生活中是必不可少的。每个人都有自己的节拍和节奏，有些人是小快板，有些人会慢半拍。
节奏也是非常神奇的。如果我们平时在运动中配上节奏明显的音乐，就可以振奋脑神经，提高运动潜能，而且可以消除疲劳，甚至节奏还有点催眠的作用。如果伴随着电子舞曲的节奏，蹦迪蹦一晚上也不会觉得累，所以这其实是有一点催眠作用的。
一直以来，人们也运用统一的节奏来组织群体劳动。我们在前面讲的《沃尔塔瓦河》里面有一段波尔卡的节奏，于是一场乡村舞会就在你眼前变得栩栩如生。
此外还有肖邦的《雨滴》，音乐中雨声以一种低缓的节奏持续着，伴随着音乐中人的细细的思量。
音色、和声、调性、调式
什么是音色？
音色是指声音的光彩。我们一般对声音会有一些联觉，觉得某些声音比较明亮，某些比较暗淡，还能够感觉到声音从黑暗逐渐过渡到明亮的颜色，听到一系列的渐变。一些描绘日出的音乐尤其会让人产生这种感觉，比如格里格（Edvard Grieg，1843～1907，挪威作曲家）的《晨景》，还有理查德·施特劳斯（Richard Strauss，1864～1949，德国作曲家）的《查拉图斯特拉如是说》的第一段里也有一系列从黑暗逐渐过渡到光明的过程。据说有一些作曲家可以真的“听”到声音的色彩，比如梅西安（Olivier Messiaen，1908～1992，法国作曲家、风琴家及鸟类学家）、斯克里亚宾（Alexander Skryabin，1872～1915，俄罗斯作曲家、钢琴家），他们可以“听”到非常细腻的声音的色彩。
德彪西（Achille-Claude Debussy，1862～1918）就是一个音色感特别好的音乐家，他有一首作品叫作《牧神午后前奏曲》，一段长笛的低音描绘了牧神在午后醒来时慵懒倦怠的样子。长笛是一种高音乐器，也就是说，它的高音区特别嘹亮，低音区比较暧昧。一般来说，古典音乐里面主要用的是长笛的高音，因为长笛高音非常嘹亮，发音也很方便。但是德彪西在这首《牧神午后》里故意让长笛来演奏低音区，发出一种熟悉却陌生的声音，这样的声音营造了午后慵懒而性感的氛围。
那什么是和声呢？
和声，是指和弦的组成方式与和弦之间横向连接的方式。那么什么是和弦？和弦是指三个或者更多的音叠加在一起同时发声的组合，就是我们在乐谱上看到的像“糖葫芦”那样的音符。
和弦可以分为“柱式和弦”和“分解和弦”。所谓的柱式和弦，就是那一大串“糖葫芦”，表示数个音同时发声。而分解和弦表示和弦先后发生。比如说我们知道莫扎特他会写成：do so mi so，do so mi so，do la fa la，do la fa la，xi so re so，xi so re so，实际上是把do mi so、do fa la，还有so xi re这三个和弦中的音分开来演奏，即分解和弦。让各个和弦音分开来发声其实就是一种旋律了，这样的旋律也暗示着它的和声。
我们中国人作曲往往是先有旋律再来配和声，而西方人作曲往往是反过来，是先有和声，再在和声的衔接和续进中发展出旋律。比如说我们都喜欢的披头士乐队，或者是即兴演奏的爵士乐手，他们往往先编排一个和声的续进，然后在和声续进里面，变化出一段不同的曲调。
以上的乐理知识，对于不会读乐谱的朋友们可能是有点难度的。那么，下面我就来讲一个关于调性的故事。
在我们音乐学院里面有一幢宿舍大楼，里面住着一个吹单簧管的小男孩，他非常用功，每天在楼道上练习吹do re mi fa so la xi这样一个音阶。
大概因为乐器发xi这个音的键有点疏通不良，所以他一直停留在xi上面，吹不下去。这样一个星期下来，整个宿舍楼里面进进出出的人都觉得莫名烦躁。直到有一天，一个住在三楼的老教授，他推开窗户长吼了一声“do——”这一下，所有人都觉得全身舒坦了。可见xi必须要回到主音do上，才算是终点。也就是说，调性让音乐有了一个归属感，音乐家写的每一个音，都不是随便写的，也不是怎么美就怎么写，而是每个音都有它的功能。如此我们就能够理解巴赫了，他写的每个音都不能被取代。这个就是调性的意思。
接下来我们看什么是调式。调式，其实是一种风格。我们常常讲这是周杰伦的“调调”，那是王菲的“调调”，这个“调调”其实就是调式的意思，因为调式决定了音乐的风格。比如说大调式，听起来就是明亮的、雄壮的、男性化的；小调式，听起来就是柔和的、有点哀伤的、女性化的。
除了西方的大小调，还有很多民族的调式。比如说，我们中国的调式是do re mi so la，听起来是比较圆融的。不管怎么旋转，怎么唱，听起来都是中国风格。日本的调式是do mi fa la xi，这几个音，不管怎么旋转，不管怎么唱，听起来都是凄厉的、尖锐的日本调式。还有印度的音乐，大家肯定也对它的风格很有感觉，不管怎么唱，听起来都是充满印度风味的。
古典音乐的标题拟定法则
接下来我们再来看看古典音乐的标题。
我们平时看节目单会发现有两种标题，一种是有标题的古典音乐，像《图画展览会》《动物狂欢节》《在中亚细亚草原上》，还有《幻想交响曲》，这些都是有标题的。我们看到这些标题，大概就可以知道这首乐曲描绘的是什么内容，然后一一对号入座。我想这些乐曲对于大家来说是很好理解的。
但麻烦的是我们常常看到另一种标题，像《第28号钢琴奏鸣曲》《莫扎特K466》《第23号钢琴协奏曲》这些编号，很多朋友常常抱怨说，古典音乐太难了，连标题都记不住。其实这也是一种古典音乐的分类，它可以分成标题音乐和无标题音乐。这些编号，就是所谓的无标题音乐，也叫作纯音乐。也就是说，它并不准备表现什么内容，既没有标题，也没有内容暗示，它是根据音乐自身的逻辑展开的。
什么是音乐自身的逻辑展开？比如说，音乐中有主题的发展，还有第二个副主题，副主题再发展，然后再变化大小调，从大调转到小调，从小调转到大调，然后再进行主题再现，等等。其实音乐自身的逻辑发展，就是用对比和统一这样一个原则来塑造乐曲。我们听奏鸣曲、听赋格曲都会听到这样的对比和统一。
而标题音乐则是根据一些文学故事、绘画题材来写音乐，里面往往有具体的情节，比如这一段描绘的是男主角，另一段描绘的是女主角，下一段描绘花前月下，或者策马上战场，用画面来指导音乐。
那么到底哪一种音乐比较好、比较高级呢？这成了几百年来欧洲音乐界论战的核心问题。
当然更多的人觉得音乐总是应该按照音乐自身的逻辑发展比较好。但是后来事实证明每一种音乐都留下了流传百年的代表作。所以我觉得不必为了哪种音乐更高级、更有地位而去追随哪一种，而是要找到你真正喜爱的、能够启发你情感的那种音乐。
这里还应该提到的是，贝多芬的《月光奏鸣曲》《热情奏鸣曲》和《黎明奏鸣曲》，其实它们本来是没有标题的，比如《月光奏鸣曲》原来是《升C小调第14号钢琴奏鸣曲》，《热情奏鸣曲》原来是《第23号钢琴奏鸣曲》，《黎明奏鸣曲》是《第21号钢琴奏鸣曲》，其实它们原本都属于无标题音乐，我们现在看到的标题是为了方便大家的理解，后人加上去的。
音乐如何叙述情绪
最后我们再来看一看，音乐到底是如何叙述情绪的？
我们去听音乐会时，会在台下听得优雅、安静、礼貌，但我们也不会袖手旁观，我们其实都会不自觉地参与到音乐中。比如说，我们对音乐会充满期待，一大段激动的、波澜起伏的乐曲之后，我们期待着一首静谧的慢板；在一段古老神秘的萨拉班德（Sarabande，西欧古老舞曲的一种）之后，我们想听一首淳朴的小步舞曲。这就有点像四处奔波的人，想回家过一段安静的日子，而那些平静的人生，却都期待着醉生梦死。
如果音乐满足了我们这样的心理期待，听起来就会比较舒服、比较惬意；如果它不顾你的心理需求，在音层上有各种大跳，节奏又很凌乱，那么它听起来就会乱糟糟的，听多了可能会做噩梦。很多现当代音乐，大家觉得很难听，就是因为它完全不顾听众的接受程度。
当然音乐的结构并不是凭空创造的，凭空就会不合理，经不起时间的考验。音乐家在写作的时候，在设计一种新的结构的时候，往往会参照自然界的某些规则，会创造性地模仿自然的结构。比如说他们会模仿河流的倒影，为一段旋律写下反向的形式；他们会模仿山川，让曲调上坡或者平地前行，旋绕而上，再到达高峰。大山的质朴和崎岖塑造了交响曲迂回的结构。此外，他们也模仿光线来铺排和声。他们甚至在音乐结构中带入了整个生命的历程。比如一段音乐开始是个体确认自我的主题的呈现，然后他要离开，要远离家园，离开他原来的生活，去看看世界，去远行，去远方，同时去排解他生命的躁动。
这就是音乐的展开段落，中间会有很多转调，有很多破碎的进行，就像人生里面少不了很多困难、挣扎和幻灭。于是就有了转调，有了离调，有了复杂的、破碎的和声和旋律。在一系列的辗转之后，最后还会有一个回归，就像是一种必然。离开得越远，离开的过程越曲折，再现和回归就会愈加壮烈而圆满。基本上，这就是音乐的结构。
最后，我也为大家准备了一份疗愈音乐曲目单，供大家欣赏。
课后曲单：疗愈音乐
希望这些时光中的音符，能够在你艰难孤独的时刻，安抚你的心灵：
·维瓦尔第：协奏曲《四季》
·巴赫：《哥德堡变奏曲》
·亨德尔：《竖琴协奏曲》
·莫扎特：《魔笛》序曲
·海顿：《第101交响曲》（《“时钟”交响曲》）
·贝多芬：《田园交响曲》
·舒伯特：《小夜曲》
·门德尔松：《无词歌》
·柴可夫斯基：《花之圆舞曲》
·肖邦：《幻想即兴曲》
·李斯特：《爱之梦》
·普契尼：《晴朗的一日》（歌剧《蝴蝶夫人》中的选段）